Секреты художников индустрии комиксов: все герои движутся в одном направлении. Как стать компетентным рисовальщиком

Как и джаз, комиксы придумали американцы. Сначала отвергнутые как одноразовые книги на десятилетия, они пережили ренессанс в 1980-х годах, вернувшись знаменитыми картинками "Возвращение Темного Рыцаря" Фрэнка Миллера и "Хранители" Алана Мура и Дэйва Гиббонса в 1986 году.

Совсем недавно они успешно завоевали современную "мифологию", предлагая исходный материал для фильмов и телешоу, принося миллиарды почитателей для Marvel Studios в Disney и DC Comics, принадлежащей Warner Bros.

О том, как стать компетентным художником комиксов, читайте далее.

О чем рассказал художник комиксов

Рассказывать последовательную историю на панелях и страницах - это компетенция художника комиксов, который должен разбираться во всем, от анатомии человека до перспективы и освещения.

Независимо от того, работает ли художник с писателем или создает собственный материал, знания его должны быть разносторонними и обширными.

Вот что рассказал о своей работе ветеран известных комиксов, таких как "Трансформеры", Кейси Коллер:

... в комиксах вы должны быть готовы рисовать буквально все, независимо от того, существует оно или нет в данный момент. Обычно у вас есть 20 страниц, которые нужно отправить в месяц, и все, что написано в сценарии, нужно визуализировать на бумаге.

По сути, вы также являетесь режиссером, актером, гримером, художником по свету, сценографом и т. д. И все вместе в одном пакете с карандашом... Это гораздо сложнее, чем просто рисовать красивые картинки.

Чтобы лучше понять, как работают эти фантастические иллюстраторы, журналист Mental Floss поговорила с Коллером и другими.

Вот что они сказали о дедлайнах, авторском праве и мести художников.

Не все художники любят спандекс, но им нравится, когда их персонажи "переигрывают"

Хотя Marvel, DC и другие крупные создатели историй о супергероях доминируют в индустрии комиксов, не все художники хотят - или даже способны - выйти на рынок мускулов или подражать фирменному стилю, который который характерен для крупных лейблов.

О фирменном стиле в комиксах рассказывает Роб Гиллори, художник, который в настоящее время иллюстрирует Farmhand:

Я думаю, что фирменный стиль в одежде персонажа - это то, что вызывает доверие людей к героям комиксов, он легко узнаваем для читателя.

Много лет в начале своей карьеры я пытался вписаться в этот шаблон, но мне так и не удалось добиться сколько-нибудь убедительного его воплощения.

Я бы описал свое искусство как очень небрежное, в котором меньше внимания уделяется деталям или реализму, а больше - выразительности и ясному повествованию, развитию сюжетной линии.

Хотя есть много способов передать эмоции на странице комиксов, художники часто выбирают подход преувеличения и гротеска: «больше и еще больше».

Поскольку комикс не умеет "говорить", художники стараются передать все возможности мимики, чтобы мысли персонажей стали понятны читателям без слов.

У них нет звуковых возможностей или реального движения на странице, но, заставляя персонажей действовать более драматично и преувеличенно, художник может преодолеть этот пробел. И в некоторых сценах действительно удается передать движение, а не просто зафиксировать изображение. Это и есть своего рода цель рисовальщика - передать динамику движения.

Почему персонажи должны двигаться в одном направлении, или Как рисовать комиксы

Комиксы - это импульс и движение.

Читатель воспринимает движение между панелями-рисунками с той динамикой, с какой художник передает его непрерывность в иллюстрациях. Один из способов добиться этого - убедиться, что персонажи двигаются слева направо, потому что люди читают тоже слева направо.

Поэтому при таком движении персонажей читателю удобно переходить с одной панели на другую, а также к следующей странице в том же направлении и не отвлекаться от сюжета.

Какая панель самая важная: секреты художников комиксов

Искусство и умение соблюдать последовательность в рисунках для комикса предполагает непрерывное изображение-рассказ истории на серии панелей.

Некоторые художники придерживаются структуры в виде сетки с шестью или девятью панелями на странице, в то время как другие используют те композиции, которые, по их мнению, лучше всего подходят для определенной истории.

Например, сосредотачиваются на одной конкретной панели.

Вот как составляет композиции уже знакомый по "Трансформерам" Кейси Коллер:

Когда я разбиваю сценарий, я пытаюсь создать панель или несколько панелей особенного воздействия на читателя для каждой страницы.

Если получилась иллюстрация, которая особенно выделяется, я стараюсь построить страницу вокруг этого рисунка, используя размер, макет или последовательность панелей, чтобы рассказать историю наиболее интересным образом.

Тем не менее есть страницы, на которых простая сетка - лучший способ рассказать историю, и никогда не поздно прибегать к ней, если повествование четкое и эффективное.

Есть проблема: секреты художников, когда они работают над главными персонажами

Участвовать в ежемесячной работе над такими известными персонажами, как Супермен или Человек-паук, является целью многих рисовальщиков, но есть один недостаток - одного и того же персонажа придется изображать каждый месяц.

Рассказывает Джефф Джонс, сценарист и художник комиксов, автор "Чудо-женщины", создатель Мультивселенной:

График работы настолько плотный, что вам приходится быстро, чуть не автоматически, рисовать страницы. Вы не можете уделить персонажу всей заботы и любви, как вы себе представляли. Иногда это к лучшему. Возможно, вы раньше слишком подробно рассказывали о деталях. В других случаях персонажи могут быть слишком жесткими, плакатными и невыразительными, более упрощенными, чем вам хотелось бы.

Конечно, художники могут быть самыми суровыми критиками своих собственных произведений. Но что касается работы Джонса, то она была настолько популярна, что в 2017 году округ Колумбия выпустил серию коллекционных статуй Чудо-женщины, Харли Куина и других, смоделированных в стиле Джонса.

Что такое силуэтный тест для персонажей и почему им надо пользоваться

Есть наглядная проверка, которая позволяет художникам узнать, верно ли они изобразили принятый в сценарии дизайн персонажа.

Это называется тестом силуэта, и он помогает как создателям, так и читателям распознавать основные концепции комикса. Например, Трансформеры (по мнению рисовальщиков) являются лучшими кандидатами на проверку силуэта, ведь читатель хочет узнавать большинство персонажей, просто взглянув на силуэт.

Но стоит признать, что у некоторых героев комиксов очень похожие типы телосложения и это может вызвать некоторую путаницу. Поэтому прибегают к особым деталям - особенный головной убор (с ушками, рожками, антеннами) или предметы одежды. При одинаковых силуэтах, можно отличить персонажей по деталям силуэта.

Рисовальщик выражает мысли не только изображениями, но и словами

Еще одно правило художников комиксов: рассказывая визуальную историю, позаботиться о месте для леттера (послания), чтобы использовать эту часть панели для диалогов или экспозиции.

Иногда требуется много всплывающих окон. Художники советуют при работе над эскизами обращать внимание на диалоги и на то, сколько потребуется всплывающих окон со словами и сколько слов сможет уместиться в каждом "окне".

Если слишком много диалогов, то надо использовать изрядное количество фонового пространства для размещения текста. В любом случае каждый комикс требует индивидуального подхода.

Месть художников - это реальность

Иногда художники комиксов могут отмстить с помощью своих иллюстраций, особенно на заднем плане. Не секрет, что они нередко используют реальных людей в качестве моделей для своих вымышленных персонажей. Обычно для заполнения фона или создания вспомогательных фигур.

Так, иногда на заднем плане комикса появляются карикатуры на редакторов или других людей, которые особенно раздражают художника.

Кроме того, художник может не только наглядно наказать, но и случайно "раздавить" неугодного и неприятного человека на иллюстрациях во время развития сюжета, конечно, все это изображается на заднем плане рисунка.

Цифровые инструменты и комиксы: обратная сторона

Рисование на планшетах или экранах дополнило, а в некоторых случаях даже заменило метод классического изображения с использованием карандаша и бумаги.

Хотя цифровые инструменты могут повысить производительность, они отрицательно влияют на заработок художника.

Если работа сделана в цифровом виде, то для коллекционеров это не интересно и означает только одно - нет реальных оригинальных произведений искусства.

Рассказывает Кейси Коллер о тонкостях работы в цифровом формате:

Я сделал всего несколько работ в цифровом формате, но иногда это самый эффективный способ выполнить работу.

Лично мне нравится иметь физическое произведение искусства, нарисованное на бумаге, представляющее работу, в которую я вложил душу, и я знаю, что есть рынок для этих страниц с коллекционерами произведений искусства, это выгодно и художнику, и коллекционеру.

Другие рисовальщики сочетают традиционные и цифровые инструменты, смешивая техники и пользуясь преимуществом каждой из них.

Например, можно изобразить все рисунки цифровым карандашом, распечатать на бумаге, а затем нанести на рисунок чернила кистью.

Цифровое рисование может выполняться быстрее, а завершенная - и осязаемая - работа на бумаге может быть продана, если художник захочет ее продать.

Где больше платят художникам комиксов - в независимых изданиях

Если говорить о зарабатывании популярности, ничто не сравнится с получением громкого задания, такого как "Бэтмен" или "Новый Человек-паук".

Однако наличие собственого авторского персонажа может принести больше денег, если этот персонаж заинтересует читателей.

Почти у каждого создателя комикса есть хотя бы одна старая комическая идея в "заднем кармане", которую он стремится воплотить. Если его концепция станет популярной, значит, создатель получит вознаграждение значительно больше, чем от прорисовки чужих персонажей.

Объясняет ветеран - иллюстратор комиксов Коллер:

Но публикации, принадлежащие инди-авторам, представляют собой больший риск, чем обычная работа по найму, они могут остаться так и не востребованными. Это само собой разумеется, и это надо понимать. Как человек, большую часть своей карьеры проработавший над собственными комиксами, я могу сказать, что уровень стресса может быть смехотворно высоким.

В то же время получение стабильной работы по найму непросто само по себе, а подчинение прихотям издателя может сводить с ума. Мой совет любому начинающему творцу - попробовать свои силы в обоих вариантах, если есть возможность.

Рисуют для развлечения и занимаются другими делами

Образ художника, склонившегося над чертежным столом, верен, но это далеко не единственная его обязанность. У иллюстраторов много времени уходит и на ведение бизнеса: рассылку электронных писем, продажу оригиналов, переговоры о сделках или работу с прессой.

Так, прежде чем сесть за чертежный стол, приходится выполнить уйму рутинной работы.

Однако все, что делается как необходимая работа, может перестать приносить удовольствие, но многие художники по-прежнему рисуют потому, что хотят.

Некоторые рисуют просто для себя, но в то же время появляется и некоторая зависимость от постоянного стремления участвовать в конкурсах и презентациях, получении наград. А любовь к рисованию уходит на задний план.

Нашли нарушение? Пожаловаться на содержание

Как вы думаете, можно ли стать художником комиксов без специального обучения или надо узнать секреты мастерства и приобрести компетентность?
Комментарии 0
Подписаться
Я хочу получать
Правила публикации
Редактирование комментария возможно в течении пяти минут после его создания, либо до момента появления ответа на данный комментарий.