Мраморная статуя: история возникновения скульптуры, величайшие скульпторы, мировые шедевры, фото
Белый мрамор — самый благодатный материал для скульптурных произведений, изображающих людей. Он настолько мягкий, что хорошо поддается резцу, но при этом достаточно плотный, чтобы позволить высечь тончайшие детали и великолепно принять шлифовку. Мраморная статуя лучшим образом передает эмоциональное состояние, чувственность и анатомическое совершенство человеческого тела. Скульпторы античной Греции первыми довели искусство ваяния до такого уровня, когда начинало казаться, что мертвый камень начинал оживать, обретая прекрасные очертания. С тех пор художники других эпох неизменно стремились усовершенствовать технику мраморной скульптуры, чтобы в ней максимально ярко и образно выразить свои высокие идеи, передать безупречные формы и глубину человеческих чувств.
Почему мрамор?
Еще с древности для изготовления скульптурных форм египтяне широко использовали разнообразные виды камня, такие как черный обсидиан и базальт, зелено-коричневый диорит, пурпурный порфир, мягкий кальцитовый алебастр, известняк. Со времен античности создавались статуи из бронзы и сплавов. Так почему же именно мрамор так ценят художники, а произведения из этого материала кажутся почти живыми?
Как и алебастр, тонкие пластины которого хорошо пропускают свет, мрамор состоит из кальцита и также сохраняет некоторую светопропускную способность. Некоторая бархатистость фактуры не образует контрастных бликов и резких глубоких теней, которые присущи металлу, и производит мягкую светотеневую игру. Скульптурный мрамор имеет плотную структуру и самый светлый тон, что вместе с гладкой шлифовкой материала хорошо отражает свет, в отличие от цветных камней. Все эти качества в большей мере создают впечатление живой плоти у мраморных изваяний, чем созданных из другого материала.
Скульптурный мрамор содержит наименьшее количество примесей, что сказывается не только на почти белом цвете, но и однородности камня. Это пластический, легко поддающийся обработке материал, но достаточно плотный и твердый, чтобы не давать расколов и трещин, позволяя прорабатывать мельчайшие детали. Потому мрамор пользуется особым предпочтением у скульпторов.
Античность
Древнегреческое искусство ваяния в V веке до нашей эры достигло высочайшего расцвета. В то время развились основные приемы, техники, математические расчеты, необходимые для рождения статуй. Сформировалась особая система пропорций, определяющих идеал красоты человеческого тела и ставших классическим каноном для всех поколений художников. В течение столетия уровень мастерства греческой скульптуры дошел до совершенства. Однако статуи того периода большей частью создавались из бронзы и дерева с отделкой золотом и слоновой костью. Мраморные статуи в основном украшали фронтоны, фризы и внешние стены храмов чаще всего в виде рельефов, барельефов и горельефов, то есть частично погруженные в плоскость фона.
Начиная с IV века до нашей эры, скульптурные произведения Греции отмечает особая пластичность поз, передача чувственности, драматизма и срасти, для воплощения которых мастера стали предпочитать мрамор. Возвеличивая красоту человеческих чувств и тела, великие античные ваятели создавали "живые" мраморные статуи. В крупнейших музеях мира люди по сей день восхищаются совершенством резных форм и виртуозной работой художников, таких как Скопас, Пракситель, Лисипп, менее известных ваятелей и тех, чьи имена история не сохранила. Классические произведения многие века служат академическим эталоном, которому вплоть до периода современного искусства, следовали все поколения скульпторов.
Средневековье
Удивительно, насколько быстро с приходом и развитием христианства были преданы забвению достижения античных искусств и наук. Высокое мастерство ваятелей было низвергнуто до уровня обычного ремесла неумелых резчиков. Еще в конце XII столетия довольно грубые и примитивные статуи, не полностью вырезанные и отделенные от основы, оставались частью каменного блока, который монтировался в стену храма. Отдельно стоящие фигуры, появляются только с XIII века, но с невыразительными лицами в скованных статичных позах, скорее похожие на архаичных идолов, они оставались всего лишь архитектурным дополнением. Обнаженная натура и отражение чувственности становятся недопустимыми, забыты классические принципы красоты и пропорций. В изготовлении мраморной статуи больше внимания акцентируется на складках одежд, а не на лице, которому придавалось застывшее выражение безучастности.
Ренессанс
Попытки возродить утраченные знания и мастерство ваяния, создать теоретическую базу технических приемов, начались на исходе XII века в Италии. С началом XIII столетия на Апеннинском полуострове центром развития искусств и культурного влияния становится Флоренция, куда устремляются все талантливые и умелые мастера. Одновременно в Пизе открывается первая крупная школа скульптуры, где художники изучают и вновь открывают законы античной архитектуры и ваяния, а город превращается в средоточие классической культуры. Создание статуй обретает положение самостоятельной дисциплины, а не второстепенного дополнения в архитектуре.
Тотальным периодом перемен в искусстве стало XV столетие. Художники возрождают и принимают за эталон, признанные в античности законы пропорций и каноны красоты. В бронзовой и мраморной статуе скульпторы вновь стремятся отразить человеческие чувства благородными и возвышенными, передать тонкие нюансы эмоций, воспроизвести иллюзию движения, а позам фигур придать непринужденность. Такими качествами выделяются работы Гиберти, Джорджо Вазари, Андреа Верроккьо и величайшего мастера Донателло.
Высокое Возрождение
Короткий этап Ренессанса назван Высоким Возрождением, он охватывает первое тридцатилетие XVI века. Этот недолгий период оказался взрывом творческой гениальности, оставившим непревзойденные творения и повлиявшим на формирование дальнейших направлений в искусстве.
Итальянская скульптура в своем развитии достигла кульминации, а ее высшей точкой стали работы величайшего художника и ваятеля всех времен — Микеланджело. Мраморная статуя, вышедшая из рук этого талантливого мастера, сочетает высокую сложность композиции, совершенную техническую обработку материала, идеальное отображение человеческого тела, глубину и возвышенность чувств. Его произведения источают ощущение напряжения, скрытой мощи, колоссальной духовной силы, они полны благородного величия и трагизма. Среди скульптурных работ мастера великим свершением человеческого гения считается «Моисей», композиция «Оплакивание Христа» («Пьета») и мраморная статуя Давида. По мнению искусствоведов, после Микеланджело никому нечего подобного повторить не удавалось. Мощный, слишком свободный и чрезвычайно индивидуальный стиль обусловлен громадным талантом художника и был недосягаем для его многочисленных учеников, последователей и подражателей.
Барокко
На этапе Позднего Возрождения, названного маньеризмом, формируется новый стиль – барокко. Он базируется на принципах абсолютного классицизма, однако скульптурные формы теряют прежнюю простоту линий, искренность и благородство идеи. Позы персонажей приобретают излишнюю наигранность и манерность, мудреные композиции усложнены избытком подробностей, а отображенные чувства театрально преувеличенны. Большинство скульпторов, гонясь за внешним эффектом, стремились показать лишь искусность исполнения и свою богатую фантазию, что выражалось в тщательной проработке многочисленных деталей, вычурности и нагромождении форм.
Однако этот период отмечен чрезвычайно тонкой, почти ювелирной техникой и мастерством по выделке мрамора. Выдающимися ваятелями, такими как Джованни Болонья (ученик Микеланджело), Бернини, Альгарди виртуозно передано впечатление движения, и не только очень сложной, кажущейся подчас неустойчивой, композицией и позами фигур, но и великолепно вырезанными, словно скользящими складками одеяний. Их произведения очень чувственные, они кажутся идеальными и затрагивают самые глубинные эмоции у зрителя, надолго приковывая его внимание.
Считается, что стиль продержался до конца XVIII столетия, проявляясь также и в других направлениях. Но в XIX веке, когда художники воспроизводили лишь предыдущие этапы искусства, черты барокко нередко находили выражение в скульптуре. Таким удивительным примером служат мраморные статуи с вуалью итальянского мастера Рафаэля Монти, создавшего из камня немыслимую иллюзорность прозрачной пелены.
Заключение
На протяжении XIX века мраморная статуя все еще находилась под абсолютным влиянием строгого классицизма. Со второй половины столетия ваятели ищут новые формы выражения для своих идей. Однако, несмотря на быстрое распространение в живописи реализма, когда художники стремились отображать правдивую действительность жизни, скульптура еще долго оставалась во власти академизма и романтизма.
Последнее двадцатилетие века было отмечено реалистическим и натуралистическим направлением в работах французских скульпторов Бартоломе, Барриас, Карпо, Дюбуа, Фальтер, Делапланш, Фремье, Мерсье, Гардэ. Но главным образом выделялись работы гениального Огюста Родена, который стал предтечей современного искусства. Его зрелые произведения, нередко вызывавшие скандал и подвергавшиеся критике, воплощали особенности реализма, импрессионизма, романизма и символизма. Изваяния «Граждане Кале», «Мыслитель» и «Поцелуй» признаны мировыми шедеврами. Скульптура Родена сала первой ступенью к формам грядущих направлений XX века, когда применение мрамора постепенно сократилось в пользу других материалов.